Se  in  America  Hollywood  era  la  capitale  del  cinema,  in  Europa,  in  seguito  alla  Seconda  Guerra  Mondiale  nacquero  in  molte  nazioni  diverse  scuole  di  cinema  tutte  accomunate  dalla  voglia  di  rappresentare  la  realtà.  Durante  gli  anni  '50,  il  cinema  scopre  una  nuova  architettura  dell'immagine,  nella  quale  avviene  una  dissociazione  tra  immagine  pura  e  azione  rappresentata.  Nasce  la  disarticolazione  degli  oggetti  e  dei  corpi  a  partire  dal  dopoguerra  immediato  opponendosi  alle  convenzioni  stabilite  in  precedenza.  Il  cinema  di  quell'epoca  inizia  a  dare  importanza  alla  semplice  visione:  l'immagine  non  è  più  costretta  a  ricercare  significati  occulti  e  scopi  sui  quali  reggersi,  diventando  libera.  In  Italia,  tra  il  1943  e  il  1955,  si  sviluppò  il  neorealismo:  introdotto  da  Luchino  Visconti  (Ossessione)  e  Vittorio  De  Sica  (I  bambini  ci  guardano),  venne  suggellato  da  Roberto  Rossellini  (Roma  città  aperta  e  Paisà)  e  idealmente  chiuso  dallo  stesso  De  Sica  (Il  tetto)  che  firmò  uno  dopo  l'altro  quattro  capolavori  assoluti  di  questa  corrente,  scritti  in  collaborazione  con  Cesare  Zavattini:  Sciuscià,  Ladri  di  biciclette,  Miracolo  a  Milano  e  Umberto  D.  Il  cinema  neorealista  per  la  prima  volta  abbandona  i  teatri  di  posa  per  scendere  a  contatto  con  la  gente  comune  in  mezzo  alle  strade,  accentuando  grandemente  la  sensazione  di  realtà  documentaria  che  ispirano  e  affascinano  diversi  registi  nel  mondo,  come  il  giapponese  Akira  Kurosawa.  Anche  dopo  il  periodo  prettamente  neorealista,  l'Italia  ha  potuto  vantare  una  nuova  generazione  di  registi,  ugualmente  neorealisti,  ma  in  maniera  diversa,  come  Federico  Fellini,  Michelangelo  Antonioni,  Mario  Monicelli,  Ettore  Scola,  Dino  Risi,  Pier  Paolo  Pasolini  e  più  tardi  Bernardo  Bertolucci.  Diventano  importantissimi  gli  esperimenti  di  cinema  introspettivo  di  Marcel  Carné,  realizzati  subito  dopo  la  Seconda  Guerra  Mondiale  poi  concretizzati  in  grandi  film  dai  maestri  del  cinema  introspettivo  Ingmar  Bergman  e  Michelangelo  Antonioni:  la  realtà  non  è  più  analizzata  come  qualcosa  di  oggettivo,  tutto  diventa  soggettivo  ed  ambiguo,  il  ritmo  è  lento  e  le  scene  sono  lunghe  e  silenziose  e  i  registi  si  soffermano  su  particolari  prima  di  allora  trascurati.  Il  cinema  comincia  a  diventare  manifesto  del  subconscio  del  regista  e  anche  forma  di  personale  contestazione.